La pittura cosmopolita di Wolfe von Lenkiewicz porta Magritte nell’era digitale e conquista il pubblico. Tra una passerella parigina e una mostra internazionale l’artista trasforma i capolavori della storia dell’arte in icone prêt-à-porter per l’intelligenza artificiale, fondendo pennellate classiche, algoritmi digitali e suggestioni dell’haute couture.
Sabino Maria Frassà.
Fra pennellate classiche, algoritmi digitali e passerelle virtuali, un artista aristocratico reinterpreta Magritte nell’era di Instagram. È Wolfe von Lenkiewicz – discendente del Baron von Schlossberg, pittore di corte di Ludwig II di Baviera – che trasforma i capolavori della storia dell’arte in icone prêt-à-porter per l’epoca dell’intelligenza artificiale, portando il gusto del lusso e dell’haute couture nel cuore dell’immaginario contemporaneo e facendo impazzire il pubblico non solo europeo. Le sue creazioni – impeccabili nella realizzazione – nutrono il passato per trasformarlo in un oggetto di desiderio contemporaneo, intrecciando citazioni colte e immagini ad alto impatto visivo. Lenkiewicz strizza l’occhio al pubblico digitale e, insieme, al mondo del lusso, della moda e della comunicazione: quadri sospesi tra l’immaginario magrittiano, l’intelligenza artificiale e il linguaggio patinato delle campagne pubblicitarie. Nulla è lasciato al caso: ogni lavoro è concepito in formati che performano al meglio sui social, dall’iconico quadrato di Instagram al nuovo verticale imposto dall’algoritmo, diventando così un perfetto ponte tra tradizione artistica e nuovi codici visivi.
Accanto alle mostre istituzionali, l’artista ha consolidato il mercato internazionale e il posizionamento in un collezionismo d’élite. Non a caso ha varcato anche i confini dell’haute couture: nel 2023 ha collaborato con la piattaforma SHOWstudio reinterpretando in tempo reale le collezioni presentate durante la Paris S/S Haute Couture Week, in un progetto che univa illustrazione, pittura e moda senza legarsi a una singola maison ma dialogando con l’intero scenario dell’alta moda parigina.
Lenkiewicz guarda con ammirazione agli studi rinascimentali ma sa muoversi con disinvoltura nel presente, pronto a modellare la sua arte per i tempi e per i suoi clienti. Il suo processo di adattamento e reinterpretazione sfida le convenzioni tradizionali e riflette sulla fluidità dell’immagine nell’era tecnologica, trasformando icone della cultura visiva – dalle avanguardie storiche all’estetica pop – in nuove narrazioni dalla forte componente concettuale e provocatoria.
Riconosciuto a livello internazionale, ha esposto in istituzioni prestigiose come il Musée Quai Branly di Parigi, l’Ateneum Museum di Helsinki, il National Museum di Stoccolma e il Palais des Beaux-Arts de Lille. Lo abbiamo intervistato per comprendere meglio un linguaggio che, pur radicato nell’immaginario del passato, lo aggiorna costantemente e lo consacra come una delle figure più affascinanti e controverse del panorama artistico contemporaneo. Resta da chiedersi se il suo gioco con la storia dell’arte sia una vera reinvenzione o piuttosto un’accurata operazione di restyling commerciale per l’era digitale. Ma una cosa è certa: che sia quadrato o verticale, il suo lavoro saprà sempre trovare la giusta inquadratura.
L’eredità artistica della mia famiglia è sempre stata una presenza consapevole nel mio percorso, ma il mio lavoro rappresenta al tempo stesso una continuazione e una rottura con quella tradizione. Mio bisnonno, pittore di corte per il re Ludwig II di Baviera, operava all’interno dei canoni della sua epoca, aderendo alle convenzioni della ritrattistica ufficiale. Io, invece, mi sento libero di decostruire e ricostruire il linguaggio visivo, senza vincoli estetici legati alla pittura formale. Tuttavia, conservo un profondo rispetto per la precisione tecnica e la maestria artigianale dei grandi pittori del passato, elementi che considero fondamentali nella mia ricerca.
Leonardo da Vinci è sempre stato un punto di riferimento imprescindibile per la sua capacità di fondere scienza e arte, mentre Théodore Géricault mi affascina per la sua straordinaria profondità psicologica. Per quanto riguarda l’arte contemporanea, trovo particolarmente stimolante l’intersezione tra tecnologia e pittura e sono attratto da quegli artisti che esplorano nuovi linguaggi visivi, andando oltre le forme tradizionali.
La selezione degli elementi storici nel mio lavoro è un processo intuitivo, ma sempre consapevole. Mi attraggono i momenti della storia dell’arte in cui un’estetica o un’idea erano in fase di trasformazione, quando un movimento artistico stava per evolversi in qualcosa di nuovo. La scuola fiamminga, il Romanticismo e l’astrazione del primo Novecento sono per me riferimenti costanti, non come modelli da replicare, ma come fonti da filtrare attraverso il mio linguaggio, intrecciandole con le tematiche contemporanee.
Il mio approccio ibrido nasce dalla necessità di superare i limiti della pittura tradizionale senza tradirne la storia e il linguaggio. Ho iniziato studiando le tecniche classiche della pittura a olio, approfondendo i metodi rinascimentali e il sistema dell’atelier, ma al tempo stesso sono sempre stato affascinato dalle possibilità offerte dalla tecnologia. L’intelligenza artificiale e i modelli di diffusione mi permettono di sperimentare rapidamente e di esplorare nuove forme, non come sostituti della pittura, ma come strumenti per ampliare il processo creativo. In fondo, questo utilizzo dell’IA è una sorta di versione contemporanea dello schizzo rinascimentale. Un momento decisivo in questa evoluzione è stato il passaggio dalla reinterpretazione di composizioni storiche alla creazione di opere completamente nuove, libere da riferimenti diretti.
Mi piace. Senz’altro l’idea che la storia non sia un processo lineare, ma ciclico. Le grandi questioni del passato—potere, identità, rappresentazione—sono ancora estremamente attuali, e rielaborandole creo un dialogo tra epoche diverse. Le mie opere suggeriscono che il passato non è un’entità distante e immutabile, ma un elemento vivo che continua a plasmare e influenzare il nostro presente.
L’intelligenza artificiale e l’arte algoritmica mettono in discussione le nozioni tradizionali di autorialità, ma credo che oggi il ruolo dell’artista sia più essenziale che mai. Esiste una falsa percezione secondo cui l’IA generi immagini in modo autonomo, quando in realtà richiede direzione, selezione e raffinazione. Il mio processo è profondamente artigianale: addestro modelli, creo e modifico dataset, guido l’output dell’IA e lo traduco in un’opera fisica.
Se mai, l’IA rende l’autorialità più stratificata, non meno rilevante. In questo nuovo paradigma, l’artista non è solo un creatore, ma anche un curatore, un editore, un orchestratore di possibilità. Nell’era del machine learning, il compito dell’artista è mantenere il tocco umano, infondere intenzionalità, interpretazione ed emozione in ciò che altrimenti sarebbe solo un’espressione algoritmica.
L’equilibrio tra caos e ordine è una componente fondamentale delle mie opere. Spesso le considero una sorta di archeologia visiva, in cui strati di significato si accumulano, si sovrappongono e talvolta si contraddicono. Questo effetto stratificato nasce sia dal mio processo creativo sia dai temi che affronto. Gli elementi generati dall’IA introducono una dose di imprevedibilità, quasi come un inconscio grezzo e incontrollato, mentre il mio compito, come pittore, è quello di affinare, rimuovere e mettere in evidenza. Il risultato è un caos controllato—opere che sembrano svilupparsi organicamente nel tempo, come se portassero dentro di sé una propria storia. Questa tensione tra struttura e disordine è ciò che conferisce energia ai miei dipinti, impedendo loro di apparire né troppo rigidi né eccessivamente caotici.
L’ambiguità è un elemento centrale del mio lavoro perché obbliga il pubblico a interagire, a farsi domande anziché ricevere risposte immediate. Le mie opere contengono spesso elementi che sembrano familiari, ma che vengono distorti, sovvertiti o reinventati, creando una tensione visiva. Le figure possono apparire potenti e vulnerabili al tempo stesso, belle ma anche inquietanti.
L’identità, in particolare, è un concetto che preferisco lasciare aperto. Piuttosto che offrire una rappresentazione univoca, lascio emergere molteplicità e contraddizione. Il mio obiettivo non è imporre un significato, ma creare uno spazio interpretativo per lo spettatore. Lasciando alcune cose irrisolte, favorisco un dialogo tra l’opera e chi la osserva, trasformandolo in un partecipante attivo nel processo artistico.
Nei prossimi dieci anni vedo la mia ricerca espandersi in diverse direzioni. Sono particolarmente affascinato dal potenziale dell’intelligenza artificiale in ambito tridimensionale, nella realtà aumentata e nello sviluppo di nuovi materiali fisici capaci di colmare il divario tra digitale e media tradizionali. La pittura stessa potrebbe trasformarsi, non tanto nello stile, quanto nel modo in cui viene percepita ed esperita. Immagino opere che esistano simultaneamente come oggetti fisici e come esperienze immersive e interattive. Dal punto di vista storico, mi interessano i periodi di transizione—quei momenti in cui un modo di vedere il mondo ha lasciato spazio a un altro. L’era digitale rappresenta uno di questi snodi cruciali, e il mio obiettivo è esplorare come la pittura possa mantenere la propria vitalità in questa nuova realtà. La tensione tra tradizione e innovazione è ciò che mi entusiasma di più, ed è proprio su questa intersezione che vedo svilupparsi il mio lavoro.
